“Duro de Matar – Um Bom Dia para Morrer” (John Moore)
“Duro de Matar” é uma cinessérie curiosa. Afinal, o que a
define não são apenas personagens ou atitudes – características que sustentam
os Rambos e Freddy Kruegers da vida. O conceito básico, em “Duro de Matar”, é o
de colocar sempre John McClane na hora e local errados. A única coisa certa é
que ele é o cara certo para resolver a parada.
Se no primeiro e segundo filmes ele estava confinado (ou
quase) a um ambiente hostil, porém restrito (Nakatomi Plaza e Aeroporto Dulles,
respectivamente), a partir do terceiro tudo se expande. É neste que Nova York
se torna refém e, seguindo tal projeção geométrica, no quarto filme são os
Estados Unidos como um todo que ficam à mercê de um cyber-terrorista.
E agora, no quinto filme, em que universo John irá se
aventurar?
Na Rússia, é claro. E com as perspectivas negativas de que o
refém, desta vez, pode ser o mundo todo! Mas tal escopo aumentado não se traduz
em um filme excessivamente megalomaníaco. A parte quatro era bem mais (e até a
três, se pensarmos bem). Já em “Um Bom Dia para Morrer”, relações familiares
deixam o filme um tiquinho mais pé no chão. Sabemos que McClane, desde “Duro de
Matar – A Vingança”, é obrigado a agir com parceiros relutantes. Desta vez a
parceria acontece com o próprio filho, com quem ele não fala há séculos. É
claro que ambos terão de discutir a relação – isso se sobrar tempo em meio às
explosões, tiroteios e perseguições.
O certo é que as cenas de ação são bem dosadas. O que, em se
tratando de “Duro de Matar”, sempre significa uma overdose. Porém, o CGI
aparece de forma mais sutil e orgânica, quase nos fazendo acreditar que toda
aquela destruição automobilística realmente aconteceu em Moscou – ou em
Budapeste (o fato é que, na maioria das cenas, as trucagens digitais foram
usadas mais como pano de fundo, dando muito trabalho para a interminável
galeria de dublês).
John Moore (diretor de vários filmes de ação sem tanta
expressão) segura bem a peteca. Há alguns excessos e maneirismos com a câmera,
que volta e meia ele treme tentando valorizar a tensão, mas nos momentos-chave o
cara sabe como enfatizar o que precisa ser enfatizado sem criar confusão.
O roteiro, obviamente, não é um primor literário, mas
apresenta boas soluções e algumas surpresinhas legais. Claro que
inconsistências existem, mas em filmes assim a gente releva na boa.
Por fim, temos Bruce Willis mandando bem como ele sempre faz
com o McClane. No começo o personagem surge um tanto amargo, mas é só bicho
pegar para ele se soltar soltando pérolas de bom quilate. Inclusive uma
recorrente, e levemente cansativa, ao dizer que está de férias. Férias... sei...
(A Good Day to
Die Hard – 2013)
Direção: John
Moore
Roteiro: Skip
Woods
Elenco: Bruce Willis, Jai Courtney, Sebastian Koch, Yuliya
Snigir, Mary-Elizabeth Winstead
Nos primórdios das animações computadorizadas, a Pixar
reinava absoluta quando o assunto era qualidade técnica. Logo atrás vinham a
Dreamworks e a Blue Sky. E a uma grande distância destas tínhamos uma
infinidade de produções com menos definição.
Hoje, qualquer país com estrutura e verba (que nem precisa
ser mais tão astronômica), consegue fazer trabalhos bem interessantes,
tecnicamente falando. Mas aí surge outra qualidade (ainda mais importante) e
sempre (ou quase sempre) exibida pela Pixar e também dificilmente igualada: o
roteiro bem cuidado.
Exemplo desta discrepância entre técnica e texto surge na
animação russa "O Reino Gelado". Com belas texturas, cenários
interessantes e um design caprichado, o filme peca justamente no roteiro desenvolvido
para reapresentar uma história clássica de Hans Christian Andersen. No filme, o
conto de fadas foi adaptado de forma rasa, com personagens sem características
marcantes e coadjuvantes cômicos sem a menor graça. A jornada apresentada não revela
grandes conflitos ou evoluções, tornando-se episódica ao mostrar situações que
nada acrescentam à trama e que possuem tão somente a função aparente de
aumentar a duração do filme. Existem repetições de situações que deveriam ser engraçadas,
mas que não agradam nem da primeira vez - o que dizer então da segunda ou
terceira que voltam a aparecer...
No trama, o mundo fica mais frio a cada dia por conta da fúria
da Rainha da Neve, que quer esfriar as almas humanas a qualquer custo. Os mestres-vidreiros,
que poderiam reverter a situação, são subjugados um a um. Restam então os dois
filhos do mestre Vegard, que ainda bem pequenos conseguem escapar do ataque do
vento polar e são criados em um orfanato, sem conhecimento de seus laços consanguíneos.
A Rainha acaba descobrindo que Vegard possuía um herdeiro (sem se dar conta de
que na verdade ele tinha dois filhos) e aprisiona o menino Kai, enquanto Gerda
- a irmã - parte para o resgate.
Nas aventuras que se seguem pipocam referências a filmes como
“O Senhor dos Anéis” e “As Crônicas de Nárnia” (se bem que o conto é muito
anterior a estas obras e dizem inclusive que C. S. Lewis teria se
inspirado na Rainha da Neve para criar a Feiticeira Branca). Além destas referências
mais óbvias, consegui também notar algumas que remetem ao filme "Pink
Floyd The Wall" - seja na semelhança do diretor do orfanato com o
professor de Pink, seja na flor carnívora da bruxa. Mas talvez sejam apenas
pequenas viagens minhas...
Com uma boa premissa, é pena que o filme não consiga nos
entregar personagens fortes e situações idem. Os conflitos entre Gerda e o
troll Orme são incoerentes e vagos, quando deveriam ser um dos alicerces do
filme. Resta então o belo visual e também a boa dinâmica no clímax da história
- que destoa do resto do filme pelo bom ritmo e pela ação tipicamente
hollywoodiana. Mas é muito pouco para nos cativar. Faltou substância.
(Snezhnaya Koroleva
– 2012)
Direção: Vlad
Barbe, Maksim Sveshnikov
Roteiro: Vlad
Barbe, Vadim Sveshnikov
Elenco: Anna Ardova, Lyudmila Artemeva, Cindy Robinson, Anna
Shurochkina, Jessica Strauss, Erin Fitzgerald, Wendee Lee
Depois de três filmes utilizando a captura de movimentos
para criar animações realistas, e não muito empolgantes, Robert Zemeckis volta
a dirigir atores bem longe das bolinhas luminosas e dos cenários artificiais. E
é uma volta pra lá de decente.
Primeiro porque há tempos não víamos um filme de avião com
toda aquela tensão e drama de uma queda iminente, exatamente como nos clássicos
do chamado cinema-catástrofe. Ainda mais se a gente pensar que isso acontece
ainda no primeiro ato do filme.
Pouco antes do voo, somos apresentados ao piloto Whip
Whitaker (Denzel Washington), mulherengo, fumante inveterado, alcoólatra e fã
de algumas outras substâncias ilícitas também. Porém, é apenas quando surgem
problemas no voo que ele comanda entre Miami e Atlanta que passamos a conhecer
outra característica sua: a habilidade nata de pilotar um avião e evitar uma tragédia
maior.
Mas é depois, em terra, que a trama se desenrola de verdade,
indo fundo na questão do alcoolismo e das mudanças (ou não) de
perspectivas.
Zemeckis foge das saídas simples e cômodas. Até porque não
existem saídas simples e cômodas para qualquer vício. Denzel, esbanjando
prepotência e instabilidade, vai além de alguns maneirismos (língua esticando a
bochecha em forma de bola?) e consegue transmitir autenticidade e toda uma
carga bem equilibrada de repulsa e admiração pelo seu personagem.
“O Voo” possui uma clara trama de redenção e por isso
Zemeckis apresenta closes nos elementos da danação, como seringas, garrafas e
"Sympathy for the Devil" nos fones de ouvido do traficante, ao mesmo
tempo em que pontua a história com referências explícitas à religiosidade, desde
a igreja na hora do acidente até orações, crucifixos e quadros de mãos unidas em prece. Nada sutil, é
verdade.
Mas no fim, nenhum dos elementos do bem ou do mal guiam a
ação. Nem as revistas pornô de John Goodman nem o convite ao culto de Tamara
Tunnie. Ambas são igualmente refutadas por Whip. Isso porque a palavra final é
de cada um, ao final. É o tal livre-arbítrio, que vai diametralmente contra o
inspirado diálogo nas escadas do hospital. E isso é sempre saudável.
(Flight –
2012)
Direção: Robert
Zemeckis
Roteiro: John
Gatins
Elenco: Denzel Washington, Kelly Reilly, Bruce Greenwood, Don
Cheadle, John Goodman, Tamara Tunie
Certos filmes até tentam... mas não conseguem escapar do
convencional.
“Fogo Contra Fogo”,
por exemplo, começa até bem, com fortes doses de violência e tensão. Mas
simplesmente se revela incapaz de sustentar o interesse.
A trama realmente tem início quando o bombeiro Jeremy
Coleman presencia um crime em uma loja de conveniências, cometido por um grupo
de mafiosos. É neste momento que Vincent D’Onofrio nos apresenta seu vilão
caricato, porém interessante. Pena que logo depois a sua interpretação descambe
para um exagero totalmente desproporcional. Como única pessoa que pode
identificar o chefão do crime, Jeremy precisa desaparecer até o julgamento,
entrando para o serviço de proteção à testemunha. Obviamente, o serviço falha,
e ele percebe que a única forma de preservar a sua vida, e a daqueles que ele
ama, é fazendo justiça pelas próprias mãos.
Obviamente, esta premissa é manjada. Porém, o roteiro
apresenta algumas boas soluções, apresentando um herói comum que de início não
sabe muito bem como agir, quando atirar ou de que forma interrogar os
criminosos.
Pena que, à medida que a trama avança, a confiança do
personagem interpretado por Josh Duhamel cresce
também, enquanto o roteiro vai exagerando nos clichês e nas resoluções previsíveis.
O diretor David Barrett, egresso das séries de TV, até consegue
imprimir um bom ritmo no início, criando algumas cenas interessantes, como a do
tiroteio à distância no motel. Porém, logo ele começa a perder o pique, ao
mesmo tempo em que passa a abusar dos efeitos de computação nas demais cenas de
ação, inclusive com um fogo digital que não convence ninguém. Sem falar nas tentativas
de criar momentos emotivos/emocionantes, forçando na trilha com aquele pianinho
martelado bem manjado.
Vale citar ainda a participação de Bruce Willis, que abre
mão da ação (acho que ele não dispara um único tiro) e surge como um
coadjuvante não muito convincente. Seu duelo verbal com D’Onofrio é a única
cena digna dele de nota.
A falta de confiança para com o filme lá fora foi tanta que
ele foi lançado diretamente em
vídeo. Aqui, “Fogo Contra Fogo” tenta a sorte no cinema. Mas
eu não apostaria nele.
(Fire With
Fire – 2012)
Direção: David
Barrett
Roteiro: Tom O’Connor
Elenco: Josh Duhamel, Bruce Willis, Rosario Dawson, Vincent
D’Onofrio, 50 Cent
Para começar, é importante você ter em mente que “Meu
Namorado é um Zumbi” é uma ficção. Na vida real os zumbis simplesmente não têm
emoções e todos nós sabemos disso.
Aceitando tal pequena subversão deste gênero clássico é
realmente possível se divertir com o filme, que tem direção decente, boa
trilha, referências bacanas e alguns momentos de tensão satisfatórios.
Outra sacada legal é que, através da dieta cerebral dos
zumbis, eles podem visualizar as memórias daqueles que estão sendo devorados –
e nós também podemos. Seria ainda melhor se tais imagens surgissem sempre por
meio de tomadas em primeira pessoa. Mas a solução usada não incomoda tanto
assim.
O que incomoda um pouco é o fato dos zumbis, desde o início,
conseguirem soltar uma palavra ou duas, correr, guardar objetos, manusear vinis
e raciocinar de forma rudimentar. Os zumbis esqueléticos também não me
agradaram muito, caminhando como uma versão pele e osso do T-800. O passeio de
conversível pelo aeroporto é outro momento que parece forçado, ainda mais se
pensarmos que, naquele momento, tudo que a garota queria era sair dali. Mas a
intenção da ocasião era justamente criar o clima para um clássico clipe
romântico, com edição simpática e casal feliz – ainda que um deles seja um
zumbi.
Nicholas Hoult faz bem
a transição entre o morto-vivo básico e o quase-humano. Teresa Palmer, uma
espécie de Kristen Stewart mais bonita, sorridente e loira, cumpre bem seu
papel de objeto de desejo. John Malkovich se repete, como quase sempre
ultimamente. E o restante do elenco é quase totalmente figuração zumbi – inclusive
os humanos.
Mesmo açucarado em alguns momentos e pouco inspirado em
outros, “Meu Namorado É um Zumbi” consegue divertir. Mas confesso que, como fã
confesso do gênero apocalipse-zumbi, me incomodou um pouco o tom otimista e a
não observância das regras gerais criadas por George Romero. Mas isso é coisa
de purista...
(Warm
Bodies – 2013)
Direção: Jonathan
Levine
Roteiro: Jonathan
Levine
Elenco: Nicholas Hoult, Teresa
Palmer, Rob Cordory, John Malkovich
O que é pior: confessar um preconceito ou negá-lo e mesmo
assim continuar sendo preconceituoso?
Eu, particularmente, prefiro confessar o meu preconceito: simplesmente
não gosto de musicais.
Nada louvável esta minha faceta, ainda mais no momento de
criticar justamente um musical. Mas a despeito deste meu defeito, vou tentar
falar da forma mais imparcial possível sobre o filme “Os Miseráveis”, mesmo sabendo
o que isso significa - dizer que o filme continua sendo muito chato.
Primeiramente, por ser demasiadamente longo. Cada trecho
cantado - e quase só existem trechos cantados, que não deixam margem para muita
ação fora deles – parece arrastado. Muitos se prolongam sem necessidade e sem
fazerem a história evoluir. Por manter um pé (quase dois) no realismo, mesmo
com o artificialismo das canções, o filme não se permite muitas pirotecnias
visuais. Assim, em muitos momentos, temos tão somente um ou outro protagonista
cantando em close-ups oscilantes, que volta e meia saem de foco. Este pecadilho
de direção realmente incomoda, ainda se você está vendo o filme no IMAX. E a
direção permanece ruim por quase todo o filme. Basta tentar acompanhar as cenas
das batalhas, com suas montagens falhas que só confundem e nada acrescentam.
Rever (ou ver) Eisenstein não faria mal algum ao Tom Hooper.
Tais deslizes são ainda mais imperdoáveis se considerarmos
que o filme começa muito bem, mesmo com as partes em que Russell Crowe
tenta cantar. O ritmo é correto, a tensão também e a esperança de um bom filme
até surge, mas desaparece logo. Talvez porque a boa história careça de um bom
desenvolvimento. As motivações dos personagens, por transparecerem
apenas nas canções, eclodem trôpegas. Falta convencimento. Ou convicção mesmo.
Por conta disso, não consigo achar nenhuma das atuações surpreendente. A dor de
Anne Hathaway, por exemplo, não me
convence. Hugh Jackman se sai melhor, em alguns momentos. Mas muitas de suas
ações parecem despropositadas, mesmo com ele cantando para explicar quase tudo.
E se Jackman e Hathaway sofrem, Sacha Baron
Cohen e Helena Bonham Carter acham tudo muito divertido – pena que só eles
consigam se divertir com seus números musicais pretensamente engraçados. E é obviamente
com eles que o diretor se permite aumentar um pouco a dose de artificialismo,
só para apresentar cenas deslocadas e, vejam só, longas. Pior do que isso só
mesmo o triângulo amoroso açucarado e modorrento que tem em seus vértices
Amanda Seyfried, Eddie Redmayne e Samantha Barks.
Com todos estes defeitos,
porém, “Os Miseráveis” é um filme que me fez pensar. Tanto que já não sei dizer
se realmente não gosto de musicais. Talvez eu apenas não goste de musicais
ruins...
(Les Misérables
– 2012)
Direção: Tom
Hooper
Roteiro: William
Nicholson
Elenco: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda
Seyfried,
É sempre gratificante ver um filme honesto. Ainda mais
quando o trailer não consegue ser.
“O Lado Bom da Vida” é assim – um filme que não força a
barra em momento algum. E que nunca busca gracejos fáceis ou emoções idem.
É também um filme que não desvirtua pelo caminho confuso e
maneirístico do indie e que tampouco se prende às fórmulas fáceis dos romances
frágeis. E que mesmo assim é romântico até a medula. E emotivo. E complexo. E
simples. E belo. E honesto.
Esqueça a comédia romântica que o trailer vende. Esqueça
também as indicações ao Oscar – a maioria merecida. E se delicie com um filme
onde quase tudo funciona: direção, atores, química entre os atores, alívios
cômicos, roteiro redondinho e, olhe só, até Robert De Niro!
Eu realmente poderia falar mais. Bem mais. Mas cada
descoberta, cada curva de roteiro, cada sutileza de interpretação ou de direção
surpreende mais e vale bem mais do que as minhas linhas.
(Silver
Linings Playbook – 2012)
Direção: David. O. Russell
Roteiro: David. O. Russell
Elenco: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Chris
Tucker
